Chabuca, Teresa y otras chicas de Luis Baltazar

El dibujante Luis Baltazar es bastante conocido por ser el creador del personaje Chabuca y por su carrera como cantante melódico, que comenzó al reemplazar por enfermedad al legendario “Chivirico” Dávila en la Sonora de Lucho Macedo al cierre de la década del 50.

Menos conocida es su incursión en la Nueva Ola, en 1961, cuando unas canciones de su primer LP, “Un amor como el nuestro” (1), fueron promocionadas como parte de ese naciente movimiento.

Pero los temas, más tirados a la tradición de los rocanroles mambeados de la década anterior, estaban lejos de la moda de las rocks-lentos y baladas que se dictaba desde Buenos Aires, y que ese año terminaron de imponerse gracias a la llegada de artistas de la talla de Billy Cafaro, Monna Bell, Rocky Pontoni y algún que otro farol tipo Mariquita Gallegos, de quien el desgarbado “Flaco” Rolland diría: “Si Mariquita canta yo soy Marlon Brandon”. Más en la línea estaban emergentes figuras nacionales como Joe Danova y Gustavo Hit Moreno, quienes ya habían publicado sus primeros discos.

El chiclayano de entonces 23 años prosiguió su exitosa carrera componiendo y entonando boleros en radio y sobre todo en la televisión, que ya lo había premiado con la Cámara de Oro 1960, un año después que ganará un Guido por cantante melódico. Durante el 65 partió de gira a Venezuela y luego a México, donde ya se conocían sus canciones por la voz de Yolanda Valdez. En 1968 incursionó profesionalmente en la actuación con la película mexicana-peruana “El tesoro de Atahualpa”.

Falleció tempranamente, al parecer por los años 70.

Casi todas las composiciones del soltero con fama de picaflor están dedicadas a personajes como “Teresa” –que es el título del tema que compartimos con ustedes–, quien nos recuerda inevitablemente a Chabuca, la díscola muchacha que formó con carboncillo luego de escuchar a unas limeñas hablando de hombres en un café de Jirón de la Unión (hh).

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(1) El LP contiene boleros y las siguientes canciones calificadas como rock: “Teresa”, de Luis Baltazar al alimón con un tal E. Delgado; “Desconfianza”, de Antonio Castro; y  “Un amor como el nuestro”, de la mítica Gina Dean.



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Los Saicos 69

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¿Qué se necesita para notar la existencia de un grupo? ¿Que ensayen un tiempo prolongado? ¿Que alcancen una formación fija? ¿Que graben un disco? ¿Que toquen en vivo? ¿Que tengan un bombo con su nombre?

Todos esos requisitos los cumplían Los Saicos en su retorno de 1969.

Erwin y “Papi” regresaban al ataque junto con Alex “El Diablo” Rodríguez (ex Los Dream’s y Los Silverton’s) en la primera y Jorge Blondet (recordado músico beatlemaníaco que más tarde pasaría por Dr. Wheat y Alma Latina) en las baquetas.

Los ensayos de las nuevas composiciones del gritante de la banda, que incluía algunos “lentos”, llegaron a alcanzar hasta las 3 horas por sesión. Las especulaciones acerca de una canción llamada “Reconstrucción” solo deben de haber sido una broma de pasillo de periódico. ¿O no?
 
El nuevo debut les llegó en noviembre de 1969, durante la Feria del Pacífico, en donde según algunas versiones actuaron de teloneros de los canadienses Marshmallow Soup Group. Por esos mismos días, Alberto Maraví anunciaba a la prensa que Los Saicos ya formaban parte del sello Dinsa.

Sin embargo, el primer 45 (“El Mercenario” / “Un poquito de pena”), en donde al menos participó Alex (según nos comentó hace un tiempo el mismo Erwin) vio la luz bajo el nombre de Erwin Alberto, quien en 1970 tuvo que partir al extranjero, dejando así descabezado al grupo. 

Ojalá Los Saicos actuales se animen a recuperar el repertorio completo del 69 alguna vez (hh).

Día del cartero con el Súper Grupo de Léner Muñoz

Internet y la fiebre privatizadora se han traído abajo el mundo de la filatelia, el papel perfumado, los buzones de hierro y al combativo gremio de los empleados postales, cuyo día, 29 de agosto, transcurre más inadvertido cada año.

Muchas canciones se han dedicado a las cartas y sus contenidos pero pocas recuerdan al Señor Cartero.

En 1980, el Súper Grupo de Léner Muñoz (1) sí se acordó de ellos y les compuso una de sus mejores cumbias fuzztoneras, posteriormente versioneada en casi en toda Sudamérica.

Los mensajeros de gris tampoco olvidaron al Súper Grupo y a mediados de los 80 una delegación de ellos los sorprendió homenajeándolos cuando llegaron a un recóndito poblado de la Sierra, como para dejar constancia de que el gremio tenía más cobertura que la internet actual de Robofónica.

Siempre fue día laborable, por si acaso (hh).




(1) Antes primera guitarra del Fabuloso Grupo Celeste y mucho antes de la primera formación de Los Sander’s.

*Foto: http://blogs.elcomercio.pe/huellasdigitales/2011/08/el-cartero-un-oficio-con-histo.html

Leusemia, el momento inicial

En una invernal noche de agosto de hace 30 años

Cuenta la historia que una noche de húmedo invierno limeño, un trío de desaliñados muchachos subió al escenario de un antro del centro de la ciudad, la banda estelar de la noche acababa de tocar y ya los asistentes se retiraban, de repente, algunos frenaron y voltearon a mirar al escenario pues alguien, allá arriba, había hablado, en una época donde las bandas se limitaban solo a tocar; oyeron la voz del cantante pronunciar por primera vez el nombre de su banda: LEUSEMIA. Desde ese segundo, nada sería igual en el rock nacional.

Perú 1983… la derecha estaba en el poder, Fernando Belaunde Terry, partidario de una de las principales agrupaciones políticas del país, Acción Popular (AP) era el presidente de la República. La alianza que AP había hecho con otra poderosa agrupación, Partido Popular Cristiano (PPC), otro partido de derechas, no había evitado que su gobierno empezara a ir cuesta abajo en un desgaste político del cual no se iba a recuperar. La segunda mitad del año iba a ser muy importante para nuestra historia como país.

Formalmente, la derecha no iba a tener más la presidencia del Perú hasta nuestros días, el electorado apostaría por otras opciones, la primera muestra de ello sería la obtención, en noviembre de ese año, del sillón municipal del candidato de la reunión de partidos de izquierda, Izquierda Unida, Alfonso Barrantes Lingán, el primer alcalde marxista de Lima. Por su parte, el APRA se renovaba, el joven diputado Alan García Pérez asumía la secretaría general, y tendría un peso gravitante hasta la actualidad. A ello se sumaba el accionar de Sendero Luminoso, que en esos momentos iba en ascenso a nivel nacional. Y para completar esa etapa de cambios cruciales, se iba formando el Movimiento Revolucionario Túpac Amaru (MRTA), que se fundaría al año siguiente.

30 años atrás… el país entraba a una etapa, para decirlo suavemente, jodida, las condiciones de existencia para una banda en ese entonces eran complicadas, no había casi lugares donde tocar, la difusión en medios de comunicación era prácticamente nula, elegir como opción la música era meterte en un buen lío, en suma, linda la época para operar un cambio en la escena musical ciudadana, pero Leusemia lo inició.

Lima 1983… debutaba Leusemia, un trío formado por dos hermanos y un chico que se acercó a ellos por curiosidad, los hermanos eran dos chicos de un barrio popular: Daniel “el F” (guitarra y voz) y Guillermo “Kimba (Vilis)” Valdivia Fernández (batería y voz) y el otro chico era Leopoldo “Leo Scoria” La Rosa (bajo y voz), hijo del director de la Orquesta Sinfónica Nacional. Tras algunos ensayos se sintieron fortalecidos para tocar en un buen lugar que no sea la casa o el barrio de los Valdivia, donde eran conocidos por su bulla; un amigo, Juan Enrique Krateil (quien dirigiría después una revista de rock donde debutaría Daniel F como escribidor), con la cara necesaria para fungir de representante, gestionó su participación en uno de esos escasos locales del centro de Lima donde se les daba cabida a bandas de rock, “La Caverna”, centro de operaciones de los hermanos Lazares, de Up Lapsus. Esos locales en realidad no presentaban conciertos como los que ahora conocemos sino fiestas, la gente iba a bailar, beber y socializar, poco le interesaba en realidad que banda que subía al escenario y éstas se limitaban a saludar y tocar a todo trapo para complacer al respetable.

Esa era, básicamente, la dinámica del rock local de la época, las bandas que habían atravesado el difícil periodo de mitad de los setenta a inicios de los ochenta eran, en buena cuenta, bandas subterráneas, conocidas solo por un escaso público fiel, del barrio o del local habitual donde se presentaban, es decir existía un rock subterráneo en Lima desde varios años atrás antes que apareciera Leusemia. Esa movida de rock subterráneo (digamos sin comillas) básicamente apelaba a la versión, en su mayoría del rock anglo, y eso tenía un sentido, ante el desconocimiento de los medios de comunicación del rock que se hacía en el país en ese periodo histórico y la apabullante difusión radial de rock en inglés (sobre todo mainstream), los chicos que querían subsistir haciendo música en el medio tenían que tocar canciones conocidas, sin embargo, hubieron bandas que tocaban su material propio y sobre todo en castellano, que realmente la tuvieron más complicado para existir.

Leusemia tocó, brevemente, por primera vez en una fiesta donde ni se les esperaba; tocó, después de que dejara el escenario Up Lapsus, “canción y media”, según ellos mismos recuerdan, arrancando con “En una invernal noche de surf”. Los que no estaban muy borrachos esa noche o los acuciosos habrán notado de inmediato que la banda era distinta a lo que se conocía, no solo estéticamente, sino en lo que a su música, a sus letras y a su actitud se refería, era una banda que no complacía a nadie con sus pintas, su música era un sucio rocanrol tocado con desparpajo, sus letras eran marcianas, y ¡en español!, su acto de presencia en el escenario era una declaración de principios… ¡existimos! 

En ese momento auroral nacía el “Rock Subterráneo”, así con comillas para diferenciarlo del otro rock subterráneo ya existente, mejor dicho “El Movimiento de Rock Subterráneo” (que en términos de trascendencia, bien se puede equiparar a “La Movida Madrileña” o “La Movida Española”), movimiento que no fue planificado, que fue una consecuencia lógica de lo que se había estado incubando en el medio.

Inconsciente y conscientemente Leusemia pondría las bases de lo que sería ese movimiento. Inconsciente, pues inicialmente era un poderoso imán que atraía a quienes realmente no se alineaban con el statu quo rockero de ese entonces, reivindicando la música misma, la libre creación así ésta no sea perfecta, armoniosa, aceptada y consciente, aunque después Daniel F (principal compositor de la banda) lo haya considerado un error, al orientar/ayudar a los chicos que deseaban crear sus bandas al espontáneo estilo “hago-lo-que-sea”. Sin duda, la banda tenía un poder de seducción que sintonizó con cualquier chico inconforme (sin distinción racial, ni social) que deseaba expresarse mediante la música, mediante el rock, o que encontró la manera en ésta; lo que echó a andar esa primera noche fue incontenible, instauró una tradición que aún perdura. Pero… no nos proyectemos demasiado, imaginémonos 30 años atrás, en una noche como la de hoy, de invierno, húmeda, ¿quién no se hubiera abrigado bien y hubiera salido de su casa, claro con cierta edad para hacerlo, para ir a presenciar el nacimiento de su futuro?

La historia de la banda continuó y esta historia… también lo hará.

Wili Jiménez Torres
wilijt7@hotmail.com

El “Diablo” y Los Silverton’s

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Formación clásica de Los Silverton’s: Tito Rojas, Jorge García, Coco Cotos y Tommy Davis.

Durante la etapa final de la grabación de su LP “La vuelta”, en 1967, las relaciones entre Tito Rojas y Coco Cotos andaban más tensas que las cuerdas de sus guitarras.

La portada para MAG ya estaba impresa, las fotos publicitarias reveladas pero Coco, el primera guitarra, había decidido abandonar el grupo cuando todavía faltaban terminar dos canciones.

Tito Rojas, el director y cantante de la excelente agrupación chalaca, no lo pensó dos veces: Los Dream’s andaban en desbandada por lo que Alex “El Diablo” Rodríguez aceptó sin problemas ir al estudio un sábado a las 11 de la noche, a finalizar el trabajo con la misma primera guitarra que el grupo usó en el resto de canciones (al parecer, una Dynacord).

Al llegar a MAG, el músico de sesión Otto de Rojas le explicó que la banda quería versionear una grabación del organista brasileño Lafayette: Ternura (original de Pat Woodell: Somehow it got to be tomorrow today). Pusieron manos a la obra y luego de varias horas el máster definitivo quedó con el teclado de Otto sonando de fondo. Un clásico que desde ese día no faltó en ninguna rockola del país.

La segunda canción provenía también de las tierras de Renato e Seus Blue Caps: La Vuelta, composición de Roberto Carlos que al parecer conocieron los del puerto en la versión de Os Vips. Las prisas y el cansancio produjeron un solo de guitarra más simple. Pero igual fue otro maretazo musical.

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Los Silverton´s posteriormente llegaron a amistarse y a grabar varios temas inolvidables más con Coco Cotos.

 Por su parte, el maestro Alex “El Diablo” Rodríguez participó en decenas de grabaciones con diferentes bandas como los Golden Brass y la orquesta de Víctor Cuadros, y luego de terminar sus estudios de Orquestación dirigió su propia conjunto, que marcó el compás en los clubes privados de los 70 y 80. Además, a nivel docente, se ha cansado de cosechar éxitos con sus orquestas escolares.

Y continúa en actividad. Este jueves 22 a las 6 de la noche, se presentará con un repertorio internacional en un evento gratuito organizado por la Municipalidad de la Victoria. Ojalá puedan ir a verlo, si somos mancha tal vez hasta acepte tocar Ternura.

Ah, “El Diablo” también participó en otro “grupito” de los 60, con los cuales dio unos legendarios conciertos para cerrar esa década, unos días más y se los contamos. Nos vemos mañana en la plaza Manco Cápac (hh).

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Saludos y agradecimientos a nuestro amigo y coleccionista Tito Ticerán por los datos de los temas originales

Las guitarra-cohetes de Los Dream’s

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Por sus resonancias y/o sus llamativas formas, algunos instrumentos permanecerán en nuestros oídos y retinas para siempre.

El Hammond B2 de Laghonía, la Fender Mustang azulina de los Belkings, la guitarra brasileña acabada en rulo de Erwin Flores, la guitarra transparente de 12 cuerdas de Enrique Delgado, el charango de dos mástiles de Juan Luis Pereyra (o, mejor dicho, la charandolina), las guitarra-cohetes de Los Dream’s.

Les contamos de esta última.

Cuando a inicios de los 60 al dream Rodolfo Olivera le negaron una guitarra eléctrica bajo el pretexto de que sería la puerta de entrada al mundo de la bohemia y el licor, solo le quedó echar mano del recurso del hazlo-tú-mismo (diy), una filosofía de la que los adolescentes de todas las épocas y lugares han hecho uso en casos de emergencia.

Conectar su acústica al tornamesa, tomar furtivamente medidas en la importadora de instrumentos Casa Anders, ir a buscar modelos de pastillas y clavijeros a Paruro, cortar a pulso la madera, aprender a barnizar con pistola fueron los primeros pasos. Luego los pedidos empezaron, el mismo Gerardo Manuel le encargó una tipo Fender de color rojo. “Esto solo es el comienzo”, se dijo.

Seguidamente diseñó una guitarra inspirada en los cohetes espaciales, un artefacto beat de corte futurista que se adelantó a su época. El detalle era la llave de encendido –como si fuera un carro– que había que activar para comenzar a usarla. Fabricó dos para Los Dream´s: una segunda y un bajo de lujo.

Un inversionista alemán no tardó en ofrecerle armar un negocio de exportación pero como Rudy se iba a Argentina el proyecto no terminó de cuajar… En la actualidad, el guitarrista rítmico de Los Dream’s, reside en Alemania.

Si quieren saber cómo sonaban los instrumentos de Rudy escuchen esta canción: “Lola”, el lado B de su primer disco de 45 RPM. Música de Rudy Olivera y letra de Percy Wendorff. Les debemos para muy pronto la auténtica historia de Los Dream’s, uno de los grupos más influyentes y activos de la década maravillosa (hh).

Los Hermanos Ponce, Connie Philp y Joe Danova - Ritmo tropical

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Les contamos un poco de los artistas que aparecen en este extracto de la película mexicano-peruana Operación Ñongos (1964):

Los Hermanos Ponce fueron un quinteto vocal que interpretaba twists, bossanovas y rocanroles siguiendo la moda de la armonía vocal que impusieron en el mundo The Platters y por estos lares Los Cinco Latinos. Eran hijos del mítico productor de radio y televisión Pedrín Chispa y el mayor de ellos, Elías, fue primera guitarra de los fundacionales Millonario del Jazz. 

La barranquina Connie Philp, quien reside actualmente en España dedicada al canto y la actuación, debutó en 1961 como modelo de televisión, a los 22 años. Sus 96-55-96 no sorprendían tanto a la audiencia masculina como el enterarse de que su autor favorito era Herman Hesse, a quien leía en alemán. Ay, las modelos del ayer. A partir de 1963 –interpretando en castellano, francés inglés e italiano– inicia una triunfante carrera en el canto. ¡De nuestras favoritas!

Joe Danova se inició entonando baladas, a principios de 1960, en el programa “Pablo y sus amigos”, cuando solo tenía 17 años. Durante esa década, el cantante sobresaldría por su exquisita selección de cóvers y la calidad de sus temas propios, resaltando de entre las estrellas de la nueva ola. Se casó unos años más tarde con otra destacada artista: Regina Alcóver.

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El estreno de “Fiebre de sábado por la noche”

Ni la gripe aviar ni el AH1N1 afiebraron tantos peruanos como el estreno de “Saturday night fever”, acontecido un día como hoy de 1978 en el cine Alcázar (1).

El arribo oficial de la música disco revolucionó la vida diaria local con sus zapatos de plataforma, ternos de dos botones, bola de espejos, camisas de cuello ancho y los vestidos con vuelos vaporosos que no tocaban el piso mientras se bailaba. Por no mencionar a las insufribles canciones que la radio repitió una y otra vez hasta el aburrimiento y que provocó la cohesión del movimiento punk local que culpaba a Travolta, Donna Sumer, Van McCoys, Village People y al boogie de todos sus males.

Hasta una casa discográfica local adaptó el ícono de la RSO –los administradores de las grabaciones de las películas Saturday Night Life y Grease– a un torito de Pucará. 

Los que salieron fortalecidos de la influenza fueron los músicos locales de rock, cumbia y hasta huaylas, que sumaron el novedoso sonido a su repertorio, ya sea como cóvers o temas propios.
 
Por ejemplo, orquestas como la de Víctor Cuadros y Enrique Lynch –integradas por maestros instrumentistas– alegraron las noches de baile con sus bien logradas versiones, grabando varios LP dirigidos al amplio mercado tonero.




Cuando se pusieron de moda los patines, el grupo nacional The Rollet’s sacó un LP en la onda roller boogie de donde se extrajo la canción Más Más del año 1980, con la voz de Malena Calixto arropada por los coros de su hermana Nancy, Giovanna Reynaga y los instrumentos de Saúl y Manuel Cornejo. Y en sus presentaciones llegaron a participar varias estrellas rockeras de los 70.




El extranjero sonido fue adoptado también por los reyes de los tonos: varios grupos de cumbia peruana versionearon los hits del momento. Fue el caso del grupo Celeste, que se animó a dejar en vinilo su interpretación de Grease en inglés y en castellano, uno de los más pedidos en sus fiestas.



Y a nivel del huaylas duro que se baila en zapatos con tacón, el histórico guitarrista de Los Campesinos, el maestro Wilfredo Quintana A., entró a la onda de los ternos blancos y compuso el huaylas-disco “El travoltoso”, temón ideal para tardes de cortamontes y jalapatos a fines de los 70. 

La canción resulto más exitosa en Ecuador que acá y es recordada siempre en la tierra de los pasillos. Acá la dejamos en dos versiones, el original interpretado por Los Bravos del Ande y la versión para discoteca (2) (hh).








(1) Estrenada originalmente en Nueva York el 14 de diciembre de 1977.

(2) Al maestro Wilfredo Quintana lo pueden escuchar este 28 y 29 de agosto en su presentación con Los Campesinos. Si le piden, tal vez se anime a interpretar “El Travoltoso” en vivo. Más información al respecto en Teleticket.
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40 años de “Lo más grande que existe en el amor”, de los We All Together

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En julio de 1973 (más o menos por estos días) salió a la venta el disco de 45 RPM que incluía en el lado A “Lo más grande que existe en el amor”, composición de Saúl y Manuel Cornejo.

Cantada por el mismo Saúl –con Carlos Guerrero en la segunda voz–, la canción retoma, con la calidad de siempre, la etapa de las creaciones en español de los hermanos Cornejo, y puede fácilmente ser el tema nacional más irradiado de nuestra historia rockera.

Lo complementaba, en el lado B, “Soy tímido”, de Carlos Guerrero y Luis Bello, también en castellano.

A continuación las versiones  en vivo y en estudio. Y de yapa para karaoke.

  

El Celendino - En vivo desde El Zarco

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Aprovechamos unos vídeos de actuaciones de Isauro Díaz Amayo, “El Celendino”, en Cajamarca, para compartir un par de canciones del trovador chilico también conocido como “El Tschuein”.

Provecho.

El concierto se debe haber realizado hace unos cinco años; lo acompaña a “El Celendino”, en la guitarra, el músico Andy Pereyra Díaz.

Más información sobre El Celendino acá.





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Alicia Lizárraga y la música del recuerdo en los 60

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Los martes de 1963, la familia entera aguardaba, sentada frente al televisor, el inicio de “Aquellos tiempos”, el programa de Canal 13 dedicado al humeante sonido de los años 20. Sobre todo los viejitos-verdes, que sorprendentemente llegaban al hogar antes de las 9 p.m. para ver a la conductora-bombón cantar y bailar foxtrot, camel, black-bottom y charlestón, la música que a todo nivel estremeció Lima a comienzos de siglo XX (1).

Coanimando con Pablo de Madalengoitia y enfundada en glamorosos flappers, era difícil reconocer a la “Cholita linda del Perú” Alicia Lizárraga, una de las Cinco Grandes del Criollismo (2), quien a sus 45 años se ganaba el título de vedette luego de triunfar internacionalmente interpretando valses, polkas, marineras, festejos y huaynos.

La cancionista y compositora arequipeña, quien empezó su carrera entonando tangos, venía de actuar en unas cuantas películas nacionales y confesaba vibrar con todo tipo de música, sea criolla o tropical. Recordaba además que su primer profesor de solfeo le aconsejó dedicarse solo al repertorio clásico. “Yo no podía aceptar esas cosas rígidas. Yo quería cantar los corridos, los boleros y los valses”, sostenía.

A continuación, algunas de las canciones (3) con que deleitaba en vivo la inestimable  voz de Alicia, y que debido al éxito del programa salieron editadas en vinilo.

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En la actualidad, no sería mala idea un programa de música de los 60 en la tv de señal abierta, que siga más o menos el mismo corte que el de Alicia, con alguna simpática animadora que jale también la atención de nuestros viejo-verdes de hoy, proponemos de lunes a viernes a las 8 p.m. vía canal 4 porque a esa hora no hay nada (hh).

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(1)    Si quien saber más sobre el “paso del zorro” en el Perú les recomendamos leer esta nota en el imperdible blog Cantera de Sonidoss. 

(2)    Junto con María de Jesús Vásquez, Eloísa Angulo, Esther Granados  y Delia Vallejos.

(3)     “Pero hay una melena” es una composición del director de cine y compositor alemán José Bohr, quien desarrolló parte de su carrera en Argentina y Chile; la canción también fue interpretada por Carlos Gardel. “Charleston” aparece con los créditos: Walter Donaldson y Fred Fischer. “Cantando bajo la lluvia” es una canción de 1929, usada en 1952 como tema principal de la película del mismo nombre.